Catatan Menonton Pertunjukan Mother Earth: PERTUNJUKAN TARI, KOLABORASI, DAN PUBLIK

Foto by: @shegitejogja
Bagian Pertama, Menggambarkan Kehamilan

Slide demi slide pra pertunjukan tayang satu persatu di atas panggung Mother Earth malam itu. Sambil menunggu penonton yang berjubel di gedung PKKH dapat menikmati karya foto yang memang digarap khusus untuk project Mother Earth oleh Rio Paraoh dari Violet Eyes Photography. Sebagai bayangan visual, di bagian belakang panggung dibentangkan kain sepanjang panggung untuk keperluan proyeksi visual baik foto, video, maupun video mapping. Seisi panggung dipenuhi dedaunan berserak.  Alih-alih menggunakan satu level panggung, tim panggung Mother Earth memilih setting panggung yang terkesan seperti tangga dengan beberapa level.

Pertunjukan akhirnya dimulai dengan diputarnya video beberapa menit karya  Yugo Risfriwan yang  tentu diharapkan menggambarkan ide Mother Earth. Dilanjutkan dua orang performer yang tidak lain adalah Mila Rosinta dan Luise Najib memasuki panggung. Mereka berjalan perlahan diikuti oleh mapping video karya Kokoksaja. Mila dari kanan panggung dan Luise dari kiri panggung, sampai mereka bertemu di tengah dan duduk kemudian menyenandungkan macapat bersama. Baik Mila dan Luise, keduanya mengenakan bantal di bagian perut sebagai kesan kehamilan, disusul 4 penari yang masuk ke panggung dengan bentuk perut besar yang sama.

Luise dan Mila menari bersama 4 penari lainnya dengan berbagai komposisi dalam beberapa bagian. Bagian 1, tentang perjuang ibu dari hamil hingga melahirkan. Di beberapa menit terakhir Luise keluar dari komposisi dan bermain-main dengan looping device di samping panggung. Suara yang dihasilkan looping device, menjadi salah satu iringan sampai lantunan piano dari Gardika Gigih masuk memenuhi ruangan. Bagian 2 menceritakan tentang keegoisan ibu yang kadang-kadang muncul sebagai bentuk kelelahan dan keinginan untuk mengejar mimpi yang lebih sulit dikejar ketika memiliki anak. Bagian terakhir adalah perasaan penyesalan si ibu atas keegoisannya, serta pesan bahwa kasih sayang ibu akan selalu mengalir. Dan keseluruhan pertunjukan diakhiri dengan apik oleh lagu Winter Fault yang dinyanyikan sekaligus diciptakan oleh Luise Najib, diiringi lantunan piano oleh Gardika Gigih.

Antusiasme Publik

Malam itu saya terburu-buru berjalan dari parkiran ke dalam gedung PKKH UGM. Dalam poster yang tersebar di berbagai media sosial dan massa, pertunjukan Mother Earth seharusnya dimulai pukul 18.30. Namun, saat saya datang pukul 19.00 antrian di meja tiket masih sangat panjang. Usut punya usut mereka adalah waiting list yang menunggu tiket tersisa, atau tiket yang tidak jadi diambil oleh si empunya. Wah, bisa dibayangkan bagaimana suasana di dalam gedung, jika di meja tiket saja yang mengantre sebanyak ini. Ternyata benar dugaan saya, ruang penonton full, bahkan hingga tribun lantai 2.

 Fenomena ini menjadi menarik, sementara pertunjukan tari yang lain biasanya penikmat terbanyaknya adalah sesama seniman tari, malam itu semua orang dengan berbagai latar belakang tumpah ruwah di gedung PKKH, bahkan dikabarkan mencapai 1000 penonton ditambah kurang lebih 150 waiting list. Lucunya seusai pentas, beberapa teman bertanya, bagaimana menurut saya pertunjukan Mother Earth malam ini. Terkait kualitas karya, kelebihan, kritik, dan lain-lain kita bahas nanti, tentu soal ini kita harus mengendapkan pikiran dan perasaan-perasaan yang muncul ketika menonton memilah dan memilih serta menonton referensi yang lain, baru kemudian secara dewasa dapat membicarakannya. “Namun mau tidak mau, suka tidak suka kita harus berterimakasih kepada pertunjukan Mother Earth ini,” Jawab saya kemudian.

Jawaban saya tentu berdasar, tapi apakah dasar saya kuat, silahkan dicek kembali ya...jangan terlalu gampang percaya di zaman banyak hoax macam sekarang. Dalam platform Curator Academy di Singapura, Januari 2018 lalu, saya menemukan hal terkait pentingnya imajinasi soal publik. Imajinasi soal publik ini tentu dipengaruhi banyak hal yang spektrumnya sangat luas. Misal ketika saya mendapatkan kesempatan mengobservasi TPAM (Tokyo Performing Art Meeting di Yokohama), Februari 2017, ketika ada kesempatan berdiskusi dengan sang Direktur, Hiromi Maruoka, salah satu yang ditekankan adalah bahwa memang TPAM ini bukan untuk masyarakat umum. TPAM adalah tempat bertemunya seniman dengan seniman, seniman dengan kurator, kurator dengan kurator, seniman dengan produser, produser dengan dramaturg, dan lain-lain. Segmented. Sehingga pertunjukannya cenderung diskursif.

Sebelum pertunjukan Mother Earth berlangsung, saya sempat ngobrol dengan Mila, dan Mila sendiri mengatakan bahwa pertunjukan ini dipersembahkan untuk para ibu dan supaya orang-orang dapat menghargai perjuangan ibu. Dalam pernyataan ini tentu tersirat bahwa lebih baik yang menonton pertunjukan ini publik seluas-luasnya, sehingga pertunjukan ini dapat menyampaikan pesan kepada sebanyak-banyaknya orang. Dan seperti yang saya tuliskan sebelumnya memang penontonnya sangat beragam dalam jumlah yang banyak, sehingga tentu tim produksi yang juga didukung popularitas kolaborator berhasil dalam hal ini. Kemudian, kenapa saya mengatakan harus berterimakasih kepada pertunjukan ini, karena pertunjukan ini sudah membantu kita membuka gerbang yang terkunci rapat, bahkan orang mau mengintip saja sungkan, takut nggak mudeng, apalagi kalau udah beli tiket tapi nggak mudeng sama pertunjukannya. Tentu soal hal ini, kita tidak boleh tidak mengakui harus belajar banyak dari tim Mother Earth.

Tonil Jaman Now

Foto by: @shegitejogja
Kendi Sebagai Simbol Rahim

Melihat layar putih dibentang di bagian belakang panggung sebagai ruang proyeksi digital art pendukung pertunjukan, saya tiba-tiba teringat tonil. Dari arsip.tembi.net, tonil pada intinya berupa lukisan besar latar tempat (keraton, hutan, dll) yang dapat digelar dan digulung dengan roda/roll yang dapat disusun urutannya sesuai dengan adegan yang direncanakan. Meskipun dalam pertunjukan Mother Earth kali ini proyeksi digital art tidak semata-mata sebagai latar tempat, bahkan tidak sama sekali, karena lebih ke bentuk grafis, simbol, dan interaktif. Namun seharusnya efek kehadiran digital art sudah seharusnya mendukung cerita, layaknya tonil yang memberi clue dimanakah dialog ini dilakukan, kemudian memperkuat suasana. Apakah dalam pertunjukan Mother Earth tidak terjadi demikian?

Saya menjadi teringat pertunjukan yang pernah saya lihat di kanal youtube sekitar setahun lalu berjudul HAKANAI yang dikonsep oleh Adrien Mondot (Ilmuwan komputer dan pesulap) dan Claire Bardaine (Desainer grafis dan digital scenographer) dengan penari solo Akiko Kajihara. Pertunjukan ini terjadi sekitar tahun 2014, di Montreal. Dalam pertunjukan ini terlihat Akiko menari bersama digital art dan begitupun sebaliknya digital art menari bersama Akiko. Pertunjukan lain yang dikonsep oleh Adrien Mondot dan Claire Bardaine setelahnya juga demikian, digital art yang mereka bangun tidak akan berbicara apapun jika penari tidak bergerak, begitupun sebaliknya, penari yang bergerak tidak akan berbicara apapun jika digital art dihilangkan.

Foto by @shegitejogja
Digital Art Interaktif

Pada bagian pertama adegan hamil hingga sebelum melahirkan, jika digital art dihilangkan penonton akan tetap paham bahwa ini adalah adegan perjuangan ibu hamil dan unsur dramatiknya juga tetap bisa ditangkap, namun di adegan terakhir, ketika Luise Najib menyanyikan Winter Fault memang interaksi antara digital art dan performer menjadi hidup begitupun unsur dramatiknya menjadi meningkat. Secara keseluruhan tentu kolaborasi ini sangat menarik dan cukup baru, khususnya di Jogja, meskipun seperti yang saya contohkan sebelumnya, pementasan berjudul HAKANAI pada tahun 2014 sudah menggunakan digital art.

Karena ini hal baru, khususnya di Jogja, mungkin di Indonesia pada umumnya, mungkin inilah kesempatan bagi tim Mother Earth untuk terus mengeksplorasi kolaborasi antara tari dan digital art ini, sembari melihat sebanyak-banyaknya referensi. Karena saya dengar project ini tidak hanya akan berhenti sampai pertunjukan tanggal 13 Maret 2018 lalu.

Kolaborasi  khas Jogja

Hal  lain terkait pertunjukan, saya merasa masih butuh waktu untuk belajar lebih banyak lagi sehingga tidak tumpang tindih soal selera yang sangat personal dengan fenomena yang saya hadapi. Juga soal konsep dan latar belakang karya sudah saya tuliskan sebelumnya di http://gelaran.id/mother-earth/  (monggo disimak, bagi yang ingin). Jadi untuk yang terakhir saya justru akan lebih senang untuk menyoroti proses kolaborasi yang terjadi di Mother Earth Project. Mila sendiri mengatakan bahwa semua kolaborator (Mila Rosinta x Luise najib x Gardika Gigih x Lia Pharaoh x Jenny Subagyo x Manda Baskoro x Yugo Risfriwan x Rio Pharaoh X Kokoksaja) dalam pertunjukan ini adalah sahabatnya atau teman yang pernah bekerja bersama sebelumnya. Mereka sering bertemu, ngobrol, dan bekerja bersama namun belum pernah berkarya bersama.

Dengan modal persahabatan ini, Mila berinisiatif supaya pertemanan ini bukan sekedar kesana kemari bersama, tetapi juga menjadi energi untuk berkarya bersama. Nyatanya, jika pertunjukan ini tidak menggunakan kesadaran atas pertemanan dan saling bergotong royong secara organik, berapa banyak materi yang harus dikeluarkan, misal jika semua dihitung, koreografer, penari, make up artist, desainer kostum, hair stylist, dokumentasi, visual/digital artist belum termasuk crew produksi dan stage, termasuk sponsor. Jogja memang punya kelebihan demikian, masih bisa bertemu banyak orang yang memiliki passion untuk berkarya tanpa pamrih. Istimewa. 

Seperti dalam Islam kita mengenal nasehat jika ingin soleh ya berkumpullah dengan orang soleh, ini berlaku dalam semua lini kehidupan, jika ingin terus berkarya ya berkumpullah dengan orang-orang yang punya keinginan dan passion untuk berkarya. Untuk apa? Untuk saling menguatkan, menyemangati, mendukung, membantu. Ya...di Jogja memang masih demikian. Bagaimana dengan kota-kota lain? Saya sendiri masih belum bisa memastikan sembari menganalisis pelan-pelan.

Langit dan Tanah

Bahkan burung yang selalu terbang dan bertengger di pepohonan, sesekali tetap turun ke tanah.

~Nia Agustina~

RESIDENSI: KEBUTUHAN SAYA ATAU MASYARAKAT?

Suhu udara panas khas daerah pesisir mulai terasa ketika saya memasuki wilayah Pemenang, Lombok Utara, pertanda perjalanan baru akan dimulai.  Perjalanan ini memang bukan exactly “sebuah perjalanan”, tetapi residensi dalam rangka Bangsal Manggawe 2017 yang diinisiasi oleh teman-teman Yayasan Pasir Putih. Sebelum bertolak ke Lombok saya sempat bertemu dengan salah satu kurator, MG Pringgotono. Dalam diskusi sebelum keberangkatan, saya diberi gambaran soal wilayah dimana tempat saya tinggal selama residensi dan kemungkinan karya seperti apa yang bisa saya kerjakan bersama dengan masyarakat. Meskipun gambaran soal residensi dan kemungkinan karya yang bisa dikerjakan sudah sangat jelas, tetapi saya memilih mengosongkan gambaran-gambaran tersebut, kenapa? Karena saya percaya bahwa residensi selalu membawa seorang seniman kepada hal-hal yang totally baru, bahwa residensi adalah waktu yang tepat bagi seseorang untuk mengasah hati dan pikirannya untuk lebih sensitif terhadap kebutuhan wilayah residensinya, bahwa residensi adalah waktunya seorang seniman diuji kerendah hatiannya.

Seminggu pertama saya berada di dusun Budha Tebango, Pemenang, Lombok Utara (dusun Budha dengan 100% masyarakat lokal, bukan chinesse), benar-benar saya manfaatkan untuk berkeliling saja dan berbincang dengan tokoh-tokoh Pemenang. Dari perjalanan dengan beberapa tokoh tersebut akhirnya saya memutuskan membuat 2 buah karya, Warung Dongeng dan Tari Mempolong. Warung Dongeng adalah sebuah proyek penelusuran babad 3 kampung di Pemenang, Karang Kauhan (Kampung Hindu), Karang Pangsor (Kampung Muslim), dan Tebango (Kampung Buddha). Konon 3 kampung tersebutlah yang paling memiliki pengaruh terhadap berdirinya Pemenang. Yang kedua, tari Mempolong (mempolong berarti bersaudara), tari ini diharapkan akan menjadi salah satu symbol bagi toleransi, persatuan dan kebhinekaan di Pemenang. Ya, soal karya ini tidak akan saya jelaskan panjang lebar, karena saya sendiri tidak yakin apakah karya ini benar-benar bermanfaat untuk Pemenang? Apakah setelah ini mereka akan lebih bersatu setelah mengikuti sesi Warung Dongeng dan melihat tari Mempolong? Dimana letak fungsi karya dan proses saya dalam residensi ini? Apakah masyarakat Pemenang memang membutuhkan saya dan karya saya?

Pertanyaan-pertanyaan itu juga kemudian yang mengawali refleksi saya atas perjalanan residensi ini. Saya bertahun-tahun hidup di pusat kota Jogja yang meskipun ramai dan berbudaya tetapi mulai terkesan individualis, kapitalis, dan hedonis, ditambah setahun terakhir saya hidup di kompleks perumahan yang menambah insting individualis, kapitalis, dan hedonis tumbuh dengan sangat baik. Selain berkarya, selama 3 minggu masa residensi, saya mengikuti aktivitas masyarakat Tebango, terutama ibu residen yang memberi tempat tinggal kepada saya. Sebelum aktivitas berkarya yang biasanya di sore sampai malam hari, pagi sampai siangnya saya ikut berbelanja ke pasar, berbelanja ke “warung tetangga” karena di Pemenang tidak ada minimarket franchise seperti yang bertebaran di Jogja, memasak, ngobrol dengan ibu dan tetangga, juga ikut bergotong royong membangun Vihara. Bisa dibayangkan, betapa canggungnya saya berada dalam kondisi demikian, harus beramah tamah dengan warga masyarakat, kemudian harus membeli segala sesuatunya di pasar dan “warung tetangga” yang tidak bisa asal comot barang, bayar, dan ngeloyor pergi tanpa mempedulikan penjualnya, harus ngobrol dengan warga masyarakat dan makan bersama dengan mereka selama gotong royong pembangunan VIhara. Beruntung sekali, ibu residen dan masyarakat Tebango sangat terbuka terhadap orang baru, saya merasa mendapatkan treatmen untuk mengasah kembali insting sosial, menekan keinginan hura-hura saya serta melupakan mall, Indomaret, dan Alfamart.

Hal lain, selama 2 tahun belakangan saya ikut tergabung menjadi relawan kesetaraan gender dan anti kekerasan terhadap perempuan di salah satu LSM di Jogja. Mau tidak mau untuk menunjang aktivitas tersebut, saya harus belajar soal feminisme dan terjun langsung menjadi aktivis kesetaraan, juga ikut berjuang membela hak sebagai perempuan. Terkesan heroik! Memang! Tapi itu semua seperti tidak cukup berarti ketika saya mulai ngobrol serius dengan ibu residen. Suatu hari sehabis makan, kami berbincang, ibu residen menanyakan soal pernikahan saya, dan cerita dimulai. Penasaran juga dengan kehidupan pernikahan ibu residen, saya akhirnya menagih cerita. Cerita bergulir dan jiwa aktivis saya mulai melempem. Ibu residen sama sekali belum pernah belajar feminisme dan kesetaraan gender (saya sudah mengkonfirmasi langsung kepada beliau), tetapi dari prinsip-prinsip hidupnya dia adalah salah satu sosok perempuan yang menerapkan ilmu feminis dan kesetaraan dengan sangat baik. Sedikit gambaran, ibu residen adalah seorang ibu rumah tangga biasa, punya toko kelontong di depan rumah tapi tidak terlalu serius. Dia adalah sosok yang hampir tidak punya rasa marah, tetapi jiwanya sangat kuat, sampai bapak residen mengakui bahwa kekuatan di rumah ini berasal dari ibu, bukan bapak. Dia bukannya tidak mau bekerja di luar rumah, tapi dia memilih secara sadar untuk menjadi ibu rumah tangga. Dia memiliki statement bahwa ibu adalah sosok terkuat di dalam rumah, bukan bapak. Ibulah yang menopang keluarga, bukan bapak. Bapak di dalam rumahnya hanya menopang ekonomi keluarga saja, lebih berat yang mana? Tanyanya. Dalam terminology kehidupan tidak ada bapak bumi yang ada ibu bumi. maka yang menopang bumi, yang menopang dunia adalah ibu, bukan bapak. Maka, tidak perlu menanyakan kesetaraan, kita sebagai perempuan sudah jelas-jelas memiliki kekuatan yang lebih dibandingkan laki-laki dalam hal ini. Saya kembali tersadarkan, hampir dalam sebulan sekali saya melakukan fasilitasi soal kesetaraan gender di salah satu desa di Kulon Progo, Yogyakarta, tapi disana saya selalu berlaku sebagai orang yang lebih tahu soal kesetaraan dibandingkan peserta. Hari itu, di suatu dusun kecil Tebango, Pemenang, Lombok Utara, saya harus mengakui bahwa saya harus belajar lagi dari masyarakat, dan belajar menjadi rendah hati atas ilmu-ilmu yang sudah saya pelajari di masa lalu.

Belum selesai sampai disitu. Selama residensi saya sangat membutuhkan bantuan banyak pihak, mencari berbagai perlengkapan dan pergi kesana kemari. Pada awalnya tidak terbayang bagaimana saya akan pergi, bagaimana saya mencari perlengkapan untuk karya saya, dan bagaimana membawa segala sesuatu kesana kemari. Tapi tanpa saya minta semua orang di sekitar saya tinggal selama residensi, sangat membantu, di sela-sela kesibukan mereka sekolah dan beberapa bekerja, mereka meluangkan waktu untuk membantu keperluan saya. Suatu hari saya bertanya, kenapa mereka mau membantu bahkan ikut menanyakan kebutuhan-kebutuhan saya? Jawabannya beragam, tapi intinya sama, ajaran Buddha adalah cinta kasih, jadi kita harus mengasihi siapapun, menolong siapapun, berbuat baik kepada siapapun tanpa memandang dia berasal darimana. Meskipun saya sendiri sudah tahu sejak lama soal ajaran Buddha tersebut, tapi yang mengherankan adalah semua orang yang saya temui di dusun Tebango menerapkan ajaran tersebut dengan sangat baik, saya tidak melebih-lebihkan, memang semua orang disana sangat penuh cinta kasih kepada sesama, dari anak kecil hingga orang dewasa, bahkan orang tua. Ibu residen akhirnya menyempatkan untuk menunjukkan beberapa kutipan kitab yang ditulis di papan-papan dan di pasang di pepohonan sekitar vihara, beberapa tulisan disana antara lain: “Pikiran adalah pelopor, pemimpin dan pembentuk dari segala sesuatu”, “Kebahagiaan mengikuti ucapan, perbuatan, dan pikiran yang baik”, “ Bagai hujan tidak dapat menembus atap rumah baik, nafsu tidak dapat menembus pikiran yang baik”, “Sesungguhnya mereka yang bertengkar akan binasa, mereka yang sadar akan mengakhiri pertengkaran”, dan masih ada beberapa lagi yang tidak sempat saya dokumentasikan. Ajaran-ajaran Buddha seperti beberapa yang saya tuliskan memang tidak ada yang membicarakan persoalan langit, segalanya soal cara menghadapi hidup di bumi dengan baik, itulah alasan yang kemudian membuat umat Buddha lebih mudah menerapkan ajaran Buddha, tidak rumit, semuanya tentang hidup sehari-hari. Begitupun soal cinta kasih, ibu residen menjelaskan, ajaran Buddha soal cinta kasih tidak menjanjikan surga, hanya ada petunjuk jika hidup dengan cinta kasih, maka kehidupan di bumi akan lebih baik. Agama bukan sekedar jalan menuju surga, tapi agama adalah cara hidup yang baik, agama apapun, sambung ibu residen. Dari situ entah kenapa saya menjadi lebih mencintai agama saya, Islam, sembari bertanya-tanya, kenapa kecintaan saya terhadap Islam justru muncul dari perbincangan saya dengan umat Buddha?

Dari pengalaman-pengalaman itu, saya merasa karya saya tidak berarti apa-apa, selama seminggu sepulang saya dari Lombok sampai saya menulis tulisan ini, setiap hari saya merefleksikan hasil residensi saya. Ternyata sayalah yang mendapat lebih banyak pelajaran dari masyarakat, sedangkan mereka? Ya, saya lebih butuh bertemu mereka untuk memperbaiki kehidupan saya, meningkatkan sensitifitas saya, dan belum tentu mereka butuh bertemu saya dan karya saya, mungkin karya saya hanya sebuah perayaan, bukan esensi seperti selayaknya yang mereka sudah berikan kepada saya.

MEMBEDAH TUBUH PENARI GONG, ENCHANTMENT OF TARI GONG #1

Tari Gong atau tari Kancet Ledo, tari yang berasal dari Kalimantan Timur (Suku Dayak Kenyah) ini, dimainkan oleh seorang penari putri yang menari di atas gong sambil berdiri. Ragam tari gong adalah gerakan tangan yang sangat sederhana, tidak banyak perubahan ragam, hanya diulang-ulang dengan tempo yang lambat. Sedang gerakan kaki hanya melangkah dan berpijak pada gong saja. Keistimewaan dari tari ini adalah kelenturan dan keseimbangan. rangkaian bulu ekor dari burung enggang terselip di tangan penari selama tari Gong berlangsung.

Dari gambaran tari Gong tersebut, apa kemudian yang membuatnya istimewa? Ketenangan baik fisik maupun psikis dari si penari. Ketenangan tersebutlah yang membuat taksu sekaligus nilai spektakel dari penari Gong ini muncul selama pertunjukan. Dari situlah, Eka Wahyuni, sang Koreografer memutuskan untuk membedah ketubuhan penari Gong, seperti pernyataan yang ia tuliskan tentang karyanya, "Karya ini merupakan sebuah laboratorium untuk membedah tubuh penari gong melalui pendekatan fenomenologi, dimana tubuh ‘dinetralkan’ dan ‘menanggalkan’ nilai dan konteks - konteks sosialnya sebagai upaya mencerna dan menggali lebih dalam lagi pengalaman dan peristiwa ketubuhan penari gong. Koreografer berusaha untuk memberikan lebih banyak perhatian pada perolehan pengalaman estetis yang lebih utuh, terutama pada sensasi motorik penari gong Dayak Kenyah, Kalimantan Timur."

Foto oleh: Setiawan Sugiharto

Enchantment of Tari Gong #1 ini dipertunjukkan dalam helatan PARADANCE #12 di Balai Budaya Sinduharjo. Saya secara subjektif tentunya, selama pertunjukan berlangsung, merasakan balutan kesederhanaan tetapi penuh karisma. Musik hanya sebagai penanda-penanda saja, kemudian kostum penari hanya tank top abu-abu dan hot pants hitam, latar belakang putih memang disetting khusus untuk karya ini. Semua bagian tari diletakkan di center panggung, tidak berpindah. Dinda, sang penari yang dipilih oleh Eka memang memiliki karakteristik tenang, saya mengenal dia sebelumnya, sehingga dalam karya ini ketenangannya sangat alami. Ragam tari Gong yang dibedah muncul satu demi satu dengan lebih mempertimbangkan bagaimana Dinda, sang penari mengalami detail mana saja yang menjadi kekuatan, tumpuan, daerah yang ditekan, dilepaskan dari ragam tersebut.  Detail nafas, juga mempengaruhi aliran-aliran ragam yang ditunjukkan Dinda. Sampai di tengah pertunjukan ditambahkan efek bayangan yang semakin menambah karisma sekaligus spektakel dalam rangka pembedahan tari Gong ini.

Ya saya melihat keindahan tari Gong tanpa dengan cara yang berbeda, tidak dengan kostum Dayak, atau bulu ekor Enggang yang diletakkan di antara jari tangan. Sempat saya melihat gladi bersih Dinda sebelumnya, mungkin ini yang menjadi catatan saya. Pada saat gladi bersih Dinda sebagai penari terlihat lebih tenang dan powernya lebih besar dan pas ketimbang pada saat pertunjukan berlangsung. Apa yang mempengaruhi? Mungkin karena sadar dilihat oleh banyak penonton atau memang sudah kelelahan saya kurang tahu pasti. Tapi sangat terasa energinya menurun. Selain itu efek bayangan yang dimunculkan, ini mungkin hal teknis tapi agak mengganggu, karena kain putih sebagai latar kurang tinggi dan lebar atau bisa jadi penari yang kurang maju ke depan, ada bayangan yang terpotong, kebanyakan tangan. Ini catatan yang lain.

Bagi saya, Enchantment of Tari Gong ini harus dibuat sekuel kedua dan selanjutnya hingga tuntas, karena menarik, mungkin dengan pendekatan seperti mengkaji tubuh Butoh. Dalam buku Kazuo Ohno's World from Without & Within ada chapter yang sangat menarik terkait pembedahan tubuh ini. Chapter tersebut berjudul The Dancing Body, yang subchapternya membahas satu persatu bagian tubuh Butoh Kazuo Ohno, The Face, The Mouth, the Voice, The Eye, The Ear, The Hand, and The Back. Kemudian chapter selanjutnya soal Performance, yang dikaji, beberapa diantaranya Falling, Standing, Fluidity, Feminity, Masculinity, dsb. Mungkin Eka perlu memecah-mecah hal-hal semacam itu dalam proses pembedahan tubuh Tari Gong ini, sehingga hasilnya akan lebih detail dan menemukan hal-hal yang semakin menarik. 

Bagi yang ingin melihat Enchantment of Tari Gong #1, silahkan klik link di bawah ini:

ENCHANTMENT OF TARI GONG #1, EKA WAHYUNI

MEMAKNAI KEMBALI BUSANA DALAM NGADI SALIRA

Galih Puspita, seorang koreografer yang saya lihat konsisten bercengkrama dengan bentuk-bentuk ritual kejawen dalam setiap karya-karyanya. Ritual disini tidak semata-mata bentuk fisik/lahiriah, tetapi terkadang dia mengolah bentuk batiniah sedang secara lahiriah karyanya sudah terbalut modernitas dengan bentuk yang lebih kontemporer, Dalam PARADANCE #13 Galih kembali memaknai salah satu hal penting dalam budaya masyarakat Jawa, busana. Ngadi Salira, karya tari ini, menurut Galih, bercerita tentang seorang yang bercengkerama dengan busananya. Bagaimana busana dapat menjadi sebuah batas positif, pencipta karakter dan penuntun ke arah mana akan berjalan.

Galih memulai Ngadi Salira dengan berjalan ke dalam area panggung dengan perlahan, kemudian meletakkan cunduk mentul. Di sebelah cunduk mentul dia letakkan stagen, stagen tersebut dibuka memanjang menyudut 45 derajat, kemudian diambilnya jarik yang dia letakkan persis setelah ujung stagen, dia juga membuka jarik tersebut, dan terakhir dia menata kebaya di bawah cunduk mentul. Semua hal itu dia lakukan dengan santai tidak terburu-buru dan tidak banyak distilisasi, ya meletakkan dan menata seperti biasa, tanpa iringan. Setelah semua selesai ditata, iringan mulai terdengar dan Galih mulai bergerak dengan posisi persis di dekat kebaya, gerakan-gerakan yang diperlihatkan saya rasa memperlihatkan kebebasan sekaligus keterbelengguan, tetapi mungkin juga Galih sedang berdialog dan bernegosiasi dengan dirinya dan busananya. Beberapa menit setelah itu Galih berpindah dengan jalan seperti biasa ke arah jarik dan bergerak di sana dengan bentuk-bentuk dan tempo gerakan yang sama, dengan energi gerak tari klasik gaya Yogyakarta yang "mbanyu mili" tetapi mengambil gerakan improvisasi yang sama sekali bukan tari klasik gaya Yogyakarta, Galih mampu terlihat anggun sekaligus mistis di saat yang sama. Menit keenam Galih mulai berbaring dan mengguling perlahan di atas jarik, dilanjutkan stagen, kemudian dia duduk dan bergerak mengambil kebaya, mengenakannya, dan terakhir cunduk mentul.

Foto from instagram: @satriaatasangin 

Meski pada akhirnya Galih memang tidak 100% berhasil secara rapih memakai busana kebaya lengkap dengan jarik dan stagen, tetapi point pentingnya adalah bagaimana Galih membuat pilihan artistik atas pertunjukannya, seperti dia menggunakan busana dengan cara yang tidak seharusnya, dengan cara tidur dan menggulingkan tubuhnya di atas busana yang ingin dia pakai. Galih sendiri pernah bercerita bahwa pilihan ini tidak semata-mata urusan artistik, tetapi untuk kembali menggali memori pengalaman awalnya menggunakan busana ini, kesulitan karena detailnya cukup banyak dan cara penggunaan yang harus menaati pakem yang ada. Diharapkan penonton juga menangkap pengalaman tersebut.

Kebaya dan kelengkapannya secara simbolis menyimpan nilai-nilai moral dan filosofis. Kebaya sendiri melambangkan kepribadian perempuan Jawa yang patuh, lemah lembut, dan halus. Kain jarik yang menutup dengan ketat bagian bawah memiliki arti bahwa wanita merupakan sosok yang bisa menjaga kesucian dirinya serta tidak mudah menyerahkan diri kepada siapapun. Sementara stagen berfungsi sebagai perlambang perempuan yang mampu menyesuaikan diri. Dengan memakai kebaya dan kelengkapannya, secara otomatis peempuan akan berlaku lebih terbatas tanpa diperintah, mereka akan sangat sulit duduk jegang karena jarik melilit ketat (dengan catatan penggunaan masih sesuai pakem). kemudian akan duduk dengan punggung tegak, karena stagen melilit erat. Bisa dibandingkan dengan seseorang yang menggunakan celana dan kaos oblong, dia bisa bergerak bebas, duduk dengan bebas.

Maka, pakaian atau busana memang menciptakan karakter tertentu pada saat dia dikenakan, secara otomatis memberi batasan-batasan tertentu. Ya seperti penjelasan Galih atas karyanya bahwa busana dapat menjadi sebuah batas positif, pencipta karakter dan penuntun ke arah mana akan berjalan. Tapi saya secara pribadi kurang setuju soal batas positif, perlu dikaji kembali soal ini, kadang-kadang batas juga mampu berbalik menjadi hal yang negatif, dominasi, posesifitas, dan kendali yang berlebihan. Kemudian penuntun jalan, bisa jadi, ketika anda menggunakan pakaian punk, pakaian itu akan menuntun jalan anda menuju kehidupan punk misalnya. Maka pilihan busana menjadi penting untuk memperlihatkan siapa diri kita, bukan semata untuk kecantikan, trend, dan #ootd di media sosial. Busana yang anda pakai adalah refleksi pertama dari siapa diri anda. Mungkin Galih perlu melakukan kajian soal busana Jawa lebih detail lagi, melakukan riset soal ini dengan metode tertentu, mendekati dengan teori feminis atau berkolaborasi dengan desainer fashion, terdengar menarik dan potensial.

Bagi yang ingin melihat karya Galih Puspita, silahkan klik link di bawah ini:

NGADI SALIRA, GALIH PUSPITA

SIBAR, CAPUNG MENJADI BAHAN EKPLORASI

Berdasarkan keterangan dari si empunya karya, Gita Prabhawita, karya Sibar yang ia pentaskan dalam PARADANCE #14  terinspirasi dari identitas tari bali yang terletak pada kekuatan mata. Salah satu pergerakkan mata tersebut menyerupai gerakan mata capung. Menurut perempuan kelahiran 1994 ini gerak mata capung yang tajam, peka, kuat, dan cepat itulah yang kemudian dituangkan dalam gerak tubuh. Ada beberapa keterangan yang saya ambil secara acak dari google, mata capung sudut pandangnya nyaris mencapai 360 derajat, apung memiliki mata majemuk yang berisi 30.000 segi, masing-masing memberikan informasi tentang lingkungan di sekeliling capung sehingga ia sangat peka, selain itu capung juga dapat melihat dunia dalam warna-warna yang tak bisa kita bayangkan (karena opsin capung mencapai 11-30). Selain mata, tubuh capung sepertinya juga menjadi bagian dari eksplorasi dara cantik kelahiran Denpasar ini. Capung memiliki kecepatan sekaligus keakuratan dalam menilai lintasan mangsa, terbang dengan tangkas, punya fleksibilitas, dan daya tahan yang kuat.

Sibar sendiri diambil dari penggalan kata sibar-sibar yang berarti capung. Dalam prosesnya karya ini ingin memunculkan kepekaan penari terhadap tubuhnya. Menyadari dan merasakan setiap segmen dalam tubuh mereka. Kelincahan, kekuatan, dan kesensitifan tubuh dalam menerima pergerakan.

Pertunjukan 12 menit tanpa iringan ini bagi saya sangat menarik, dengan diawali seorang penari perempuan di tengah panggung, membuat gerakan lambat, kemudian cepat dan mendadak pose dengan bentuk kosa gerak bali, kembali lambat, cepat, dan pose, demikian seterusnya. Dan diulang terus menerus dengan metode yang sama dan gerakan berbeda-beda. Hasilnya, kejutan-kejutan dari gerak cepat ke pose ini yang menarik perhatian saya. Ya, sang koreografer benar-benar mengekplorasi sikap capung yang cepat dan tangkas, sehingga secara mengejutkan mampu menangkap mangsanya, tanpa disadari sang mangsa. Selain tubuh, penari juga mentransformasikan mata capung yang mampu melihat sekelilingnya dengan cara membuat gerakan mata dan kepala yang digerakkan memutar seakan 360 derajat.

Fotografer: Setiawan Sugiharto

Sekitar menit ke enam penari perempuan tersebut kemudian menuju panggung bagian kanan (kanan penari), menjemput satu orang penari perempuan dan mulai menari dengan gerakan bersama lambat, cepat, pose, kemudian satu penari muncul dari sisi kiri panggung, penari laki-laki. Mereka menari bertiga, tanpa iringan, mengandalkan kepekaan, seperti kepekaan capung dengan gerakan lambat, cepat, pose. Meskipun para penari dituntut berubah dengan cepat dari lambat, cepat, pose, tetapi mereka terlihat sangat berusaha untuk presisi pada titik-titik yang sudah ditentutan, sekaligus selalu menjaga powerd dan energy supaya daya hentak ketika mengalami perubahan kecepatan gerak bisa terlihat. Tidak dipungkiri, ada beberapa kali para penari terkesan hilang, tetapi mereka kembali dengan cepat. Saya rasa memang latihan intensif untuk karya semacam ini sangat penting, bukan hanya soal pentuk geraknya yang harus  diperbaiki presisi, tetapi focus, power, dan energy penari memang perlu digenjot, supaya daya magis dari karya ini semakin terlihat.

Saya rasa Gita harus terus melanjutkan eksplorasi ini, dari hal yang sangat sederhana, capung tetapi eksekusinya menarik. Perlu saya tegaskan, bahwa karya tidak melulu dari hal-hal besar, hal-hal kecil di sekeliling kita jika kita mampu mengolahnya dengan disiplin, ilmu yang cukup, dan tidak lelah berproses, niscaya akan menjadi hal besar.

Ingin melihat karya Sibar dari Gita Prabhawita, klik link di bawah ini:

SIBAR, GITA PRABHAWITA

MASA DEPAN DALAM ME(THOD)

Fery C. Nugroho, founder Obah Dance Laboratory ini adalah seorang koreografer asli Magetan tetapi menyelesaikan S1nya di Universitas Negeri Malang dan sekarang tengah berusaha menyelesaikan studi S2nya di ISI Surakarta jurusan penciptaan tari. Dalam Paradance #15 dia merilis karya solo yang dia tarikan sendiri berjudul Me(thod). Ketika lampu menyala dan musik diputar, Fery yang memilih center sebagai area panggungnya mulai menggerakkan bagian lengan sampai tujung jari tangan dengan shape-shape yang berganti-ganti. Tidak terlalu banyak berpindah tempat, Fery menempatkan bagian tubuh selain lengan hingga ujung jari tangan sebagai pendukung shape yang coba ia suguhkan kepada penonton.

Selama menonton pertunjukan sepanjang 5 menit itu saya masih merasakan betul bentuk-bentuk tubuh Jawa Timuran yang melekat di tubuh Fery. Ini membuat saya bertanya-tanya soal Me(thod), apakah terkait dengan metode yang dia pakai untuk menguasai tari Jawa Timuran, atau apa? Dan akhirnya pertanyaan itu terjawab ketika sesi wawancara dengan MC after performance. Fery menyatakan bahwa ini metode yang sedang dia eksplorasi, rencananya akan dia ajukan untuk Tesis. Metode ini merupakan metode kodifikasi dari hasil pertemuan-pertemuannya dengan orang-orang selama beberapa waktu terakhir yang hasil kodifikasi tersebut adalah bentuk-bentuk tubuh yang dihadirkan Fery di atas panggung.

Fery membagi kode-kodenya menjadi 2 hal, siapa orang yang dia temui dan apa yang diperbincangkan, seperti gambar di bawah ini:

Courtesy pribadi: Fery C. Nugroho

Setelah turun panggung, saya sempat ngobrol-ngobrol dengan Fery dan dia menyatakan ingin mengembangkan metode ini lebih jauh, kalau memungkinkan diharapkan dapat mengakomodir difabel tuna rungu untuk belajar membuat koreografi tari. Sounds great! Ya, memang seni pertunjukan yang dengan sengaja mengakomodir difabel baik untuk menonton maupun belajar masih sangat minim, maka ini adalah niatan yang baik dari seorang koreografer muda untuk mulai berdamai dengan dunia yang di dalamnya memang punya bagian-bagian yang berbeda dan harus ditreatment dengan cara yang berbeda.

Saya selalu tertarik dengan teman-teman koreografer yang punya pemikiran untuk mengembangkan baik metode, gaya, model, meskipun saya sangat mencintai tari-tari tradisi dan klasik. Tapi kalau teman-teman terjun ke dunia tari kontemporer, hal yang harus dipikirkan selain teknik tubuh adalah apa nilai yang akan disuguhkan di atas panggung. Nilai disini tidak selalu harus terkait isu, tetapi nilai akan metode penggarapan juga menjadi hal penting yang masih jarang dilakukan oleh koreografer kontemporer muda di Indonesia. Jangan sampai asal sudah roll depan belakang maka sudah kontemporer, it's not enough guys. Maka, bagi saya, Me(Thod) ini memiliki masa depannya sendiri, dengan catatan si empunya terus mengembangkan eksplorasinya secara metode maupun cara transfer kepada tubuh. 

Jika teman-teman ingin melihat karya Me(Thod) silahkan buka link di bawah ini:

ME(THOD) KARYA FERY C. NUGROHO

PENCARIAN: PERTANYAAN PENARI

Saya selalu senang ketika dalam sebuah diskusi banyak yang bertanya dan menanggapi. Kenapa? Itu tandanya dia memperhatikan sekaligus menunjukkan rasa penasarannya, bukankah rasa penasaran adalah awal dari pengetahuan?? (Sumber: quote filsuf yang saya lupa namanya dan males cari di google)

Hari Senin, 24 Juli lalu, Loka Art Studio mengadakan sebuah diskusi dalam rangkaian Loka Art Contemporary Festival. Kebetulan saya menjadi salah satu pengisi bersama mbak Mila Rosinta dan Una Lupo. Diskusi dimulai pukul 20.00 dengan pembicaraan soal seni visual kontemporer, proses kreatif dalam menciptakan tari kontemporer, dan terakhir soal perkembangan tari kontemporer di Yogyakarta. Nah, sesi materi selesai dan dilanjutkan dengan pertanyaan. Beberapa pertanyaan muncul malam itu, sampai akhirnya ada satu pertanyaan yang menggelitik saya, soal pencarian, bagaimana seorang penari mencari dia cocok sebagai penari apa? Kontemporerkah, hip hopkah, tradisionalkah, klasikkah???

Foto by: Aari Kusuma, Dancer: Assabti "Upik"

Jawabanya sebenarnya mudah saja, karena pertanyaaannya adalah bagaimana "mencari", ya jawabannya "carilah" sampai tidak ada lagi yang "dicari". Tapi untuk mempermudah, di tulisan ini saya akan menambahkan beberapa hal penting yang harus diingat dan dilaksanakan dalam proses pencarian kalian sebagai penari, eitsss....jangan terlalu percaya-percaya amat juga! Saya bukan penari apalagi koreografer.

• Kalo kamu udah punya minat di satu genre tari tertentu ya terus lakukan sesuai minat kamu dulu. Kamu akan ngrasain itu pas nggak sih buat tubuhmu, kalaupun nggak pas sebenernya semuanya bisa diatasi asal terus berproses dan nggak lelah nyari solusinya. 
• Terbuka dengan ilmu yang baru, baik ilmu teknis ketubuhan, genre maupun wacana.
• Terus penasaran, orang yang tidak punya rasa penasaran sudah merasa cukup dengan apa yang dia punya, ujung-ujungnya udah ngerasa paling bagus aja. Penari tu harus banget punya rasa penasaran yang terus menerus, jadi ada hal yang terus menerus akan digali
• Perluas pergaulan, artinya, bergaullah dengan lebih banyak orang, lintas disiplin, lintas komunitas, penari dari berbagai genre. Dengan bergaul dengan lebih banyak orang kamu akan menemukan banyak hal yang mungkin tidak kamu kira sebelumnya, ini akan menambah khasanah pengalaman tubuh, hati, dan pikiranmu.
• Perluas pandangan soal dunia tari, dunia tari bukan cuma sekecil kota kalian aja lo ya, seluruh dunia punya peradaban tari masing-masing, yang artinya jangan hanya dengan melihat satu dua orang di dalam kotamu kemudian kamu merasa itulah yang paling bagus dan harus dicontoh, ah...kalo begini akan berefek ke hilangnya rasa penasaranmu, mempersempit pergaulanmu, dan tentu ilmu baru nggak akan datang. 
• Nonton! Ini nih, biasanya pada males. Banyak-banyaklah nonton, nggak harus live, bisa lewat Youtube, Vimeo, dan platform yang lain (daripada nontonin vlog ga jelas mendingan nonton video-video tari dari jaman kapan tahun ampe sekarang ada semua di sana).
• Punya tokoh idola, kenapa ini harus? Idola menjadi salah satu panutan yang bisa kamu ikuti, carilah idola yang berkualitas supaya kamu juga jadi berkualitas nantinya. Idola mah jangan nanggung-nanggung, pokoknya yang berkualitas, kalo bisa malah yang ikut memperkaya sejarah dunia tari, mengubah dunia tari ke arah yang lebih baik.
• Baca buku dan ikuti berita terbaru! Nah ini juga berat kayaknya ya...baca buku atau ngikutin berita emang kadang bikin ngantuk atau laper, tapi daripada depresi gara-gara nggak tahu apa-apa, mendingan nahan ngantuklah ya...
• Ngobrol, daripada ngumpul-ngumpul ngobrol ngomongin orang, ngomongin penari A gendut, penari B pacaran sama X, penari C sebenarnya nggak bagus narinya, dan obrolan dosa yang lain. Mendingan banyak-banyak ngobrolin tari deh, dari temen-temen sendiri kita bisa lebih tahu nih perkembangan tari di tempat yang kita pas nggak ikut prosesnya atau pas kita nggak nonton. Ngobrol juga dengan orang yang lebih berpengalaman.
• Proses...nah ini, kalo cuma diangen-angen doang tanpa action buat proses ya nggak guna juga. Buat karya, kalo bingung karyanya mau tampil dimana, ya di Paradance juga boleh (sekalian promo...hahaha)
• Jangan takut dikritik! ini penting banget guysss...kritik itu membangun...percayalah, meskipun di awal kritik kadang menyakitkan, tapi suatu hari kalian akan tumbuh besar justru dengan kritik, tanpa kritik kalian akan disitu-situ aja.

Kayaknya itu, kalo ntar ada tambahan bisa tak tambahin lagi kalo nggak males. Intinya saya cuma pengen bilang, kalo proses pencarian emang nggak mudah, tapi itu akan terbayar kalau kamu sudah menemukan harta karun yang kamu cari, jangan menyerah! But, sekali lagi, jangan terlalu percaya kata-kata saya!

TERPEJAM YANG BELUM SELESAI

Menurut pengakuan sang koreografer, Megatruh, karya Terpejam merupakan pembacaan atas ramalan/jangka Jayabaya terhadap masa sekarang. Pembacaan tersebut dirangkum dalam kejadian-kejadian sekitar 25 menit. Konten-konten yang disuguhkan cukup beragam, terutama beberapa isu politik yang cukup mengguncang dunia. Hal ini mudah tertangkap karena tidak semua bagian dalam pertunjukan ini berbentuk komposisi koreografik, ada juga beberapa bagian yang bentuknya lebih teatrikal dan lebih mudah dijadikan penanda suatu peristiwa atau kejadian, termasuk music. Music yang dikolaborasikan dalam tarian ini memang sudah mengandung clue atas keseluruhan suguhan, misalnya potongan-potongan berita tentang Pemilu Indonesia, juga soal pemilihan presiden di Amerika, dan lain sebagainya.

Foto: Kinanthi Saputra

Memang pembacaan Megatruh terkait tema ini sudah cukup jeli, tapi juga tidak dipungkiri, eksekusi memang tidak selalu lancar-lancar saja. Bagi saya, karya semacam ini harus cukup mampu menggugah nurani, tetapi selama melihat terpejam rasa dan suasana yang muncul adalah kegelapan, dan ini selalu saya lihat di karya-karya Megatruh sebelumnya. Bagi saya, suasana yang gelap menghasilkan efek yang justru menimbulkan kebencian, ketakutan, kesakitan, dan kritik tajam. Benci, takut, sakit, dan kritik tidak akan dengan mudah menggerakkan manusia untuk melakukan pembenahan terhadap segala sesuatu, justru kadang, rasa dan suasana semacam ini menawarkan peperangan, juga perlawanan dengan cara yang maskulin dan kurang elegan.

Maka, dengan wacana yang kuat dan pembacaan yang jeli dari sang koreografer, Megatruh, saya rasa karya Terpejam ini harus kembali dieksplorasi dengan cara mencari komposisi yang tepat demi mengajak, menyentuh dan merangkul hati penonton untuk melakukan sesuatu (baik sesuatu yang besar maupun dari hal-hal kecil) atas kejadian-kejadian buruk yang terjadi di sekeliling mereka, termasuk kaitannya dengan kritik terhadap system negara. Hal ini juga dikarenakan karya Terpejam begitu penting dalam masa-masa krisis kebhinekaan, krisis kepercayaan kepada system dan pemerintahan, juga masa perebutan yang semakin membuat masyarakat bingung bahkan terpecah seperti saat ini (tahun 2016-2017). Setidaknya karya ini harus hadir bukan untuk mengajari, tetapi seperti yang saya kemukakan sebelumnya, sebagai rangkulan, sentuhan, ajakan, dan satu lagi, sebagai pengingat dan penanda. Maka, Terpejam belum selesai!

Oleh:

Nia Agustina

Co-founder dan Program Manajer Paradance Festival

CATATAN: KLUB BACA ParaDancer EDISI RAMADHAN

Jadi, hari Jum'at lalu (16 Juni 2017) adalah pertemuan terakhir dari program KLUB BACA ParaDancer. Anyway buat yang belum tau apa sih KLUB BACA ParaDancer akan saya jelaskan sedikit. Jadi, KLUB BACA ParaDancer ini diinisiasi oleh tim Paradancer (link grup facebook: PARADANCER Jogja), dengan tujuan untuk mengisi wacana sebagai amunisi berkarya teman-teman penari/koreografer muda. KLUB BACA ParaDancer edisi pertama ini (dan mungkin juga edisi-edisi berikutnya) kami buat super sederhana, cuma bermodal buku/majalah/tabloid/booklet, tempatnya di rumah, dan suguhannya kita masak bersama-sama. 

Biasanya, pertemuan kita mulai dengan ngobrol-ngobrol ringan dulu, seputar aktivitas, karya yang sedang dikerjakan, atau gosip2 terbaru seputar tari di wilayah Jogja dan sekitarnya. Dengan peserta 5 orang diharapkan setiap pertemuan terjadi dengan intim, tapi tidak mengada-ada. Selanjutnya, kami baca satu artikel, essay, resume, atau teori dari buku/majalah/tabloid/booklet kemudian membahasnya bersama dan membayangkan bagaimana ketika diterapkan dalam proses berkarya masing-masing orang.

Pertemuan pertama kita membaca satu ulasan karya Teater Koma yang ditulis oleh mas Seno Joko Suyono di majalah Tempo dengan judul Julini Baru yang Asyik. Meskipun kali ini kita membaca ulasan karya teater, tetapi aspek-aspek di dalamnya sangat related dengan tari, terutama proses si Julini mengobservasi dan mengeksplorasi perannya. Hal ini membuat diskusi bergulir asik sampai pada fungsi observasi dan riset yang benar dalam membuat karya tari, hingga bagaimana proses eksplorasi dan memilih bagian mana yang akan dipakai dan tidak.

Pertemuan kedua bacaan yang dipilih adalah tulisan Ari "Inyong" untuk karyanya sendiri bersama Bengkel Mime yang mengangkat naskah "Waiting for Godot" versi pantomime. Yang menarik dan menjadi bahasan panjang adalah bagaimana proses mengkodifikasi teks menjadi mime, yang elemen utamanya adalah gerak, seperti halnya tari.

Pertemuan ketiga sangat menarik karena pembahasan yang kami ambil terkait dengan apa yang terjadi belakangan, kami membaca tulisan Abdul Munir Mulkan berjudul Pelangi di Langit Ka'bah dari buku Jalan Berlubang: Menyisir Pinggiran dan Pusaran Hubungan Indonesia-Kawasan Arab melalui Biennale Jogja XII 2013. Bahasan ini menjadi sangat reflektif karena masing-masing peserta mempunyai pengalaman yang menarik soal bahasan ini, terutama bagaimana cara pandang masing-masing orang terhadap Arab kemudian juga bahasan sampai pada isu intoleransi dan pilihan-pilihan cara beragama. Kenapa bacaan satu ini dipilih? Karena isu ini penting, entah kemudian akan dilanjutkan dalam proses berkarya atau tidak, setidaknya asupan semacam ini dengan berbagai tema sangat penting dimiliki. Yah, setidaknya biar nggak kuper.

Pertemuan keempat kita membahas teori Feminisme dari buku Cultural Studies, Chris Barker. Lagi-lagi kenapa memilih bahasan ini? Saya rasa perspektif feminis dalam berkarya itu penting, sehingga kita tidak judgmental tanpa mengetahui akar masalah. Selain itu akhir-akhir ini gender dan feminisme menjadi trend ide berkarya teman-teman koreografer muda, tetapi apakah perspektif mereka sudah clear soal itu? Atau hanya tuntutan trend dan permintaan? Wallahualam...nah ini yang mendasari kami untuk setidaknya tau dan clear soal perspektif ini.

Finally, pertemuan terakhir, kita membaca biografi tokoh tari, Gusmiati Suid dan R. Tjetje Soemantri dari buku Seni Pertunjukan dari Perspektif Politik, Sosial, dan Ekonomi karya Prof. Dr. R. M. Soedarsono. Kenapa mereka berdua? Karena kisah mereka menjadi bagian dari tari dan membangun dunia tari cukup extraordinary dan patut dijadikan teladan. Mereka tidak mudah menyerah (tipikal calon tokoh besar), meskipun mereka tidak belajar tari secara formal di sekolah/kampus pada awalnya. 

Yah, demikian sekilas catatan  KLUB BACA ParaDancer, menarik untuk diteruskan mungkin bisa dengan format random article/bacaan semacam ini (sebanyak-banyaknya tema supaya lebih kaya), bisa juga dengan format mengupas habis 1 teori/tema dalam beberapa kali pertemuan yang ditargetkan (supaya lebih fokus). Will see... semoga kami masih memiliki energi untuk berbagi kembali dalam KLUB BACA ParaDancer season 2. :)

JOGJA, GELIAT KOREOGRAFER PEREMPUAN

Koreografer perempuan! Menjadi bahasan setiap waktu, karena dianggap usia mereka pendek, setelah menikah dan punya anak sudah tidak akan berkarya lagi, seandainya masih berkarya tidak akan seproduktif dulu. Ya! Selama konstruksi sosial yang masih menganggap bahwa pekerjaan domestik (mengurus rumah, dapur, anak, suami) adalah pekerjaan perempuan dan pekerjaan publik (mencari nafkah, rapat desa, dsb) adalah milik laki-laki, maka imbasnya koreografer perempuan akan habis dimakan pernikahan. Saya melihat sendiri (di Jogja) perbandingan siswa perempuan di SMKI jurusan tari jauh lebih banyak dibandingkan dengan siswa laki-laki, begitupun di tingkat Universitas, mahasiswa perempuan di UNY jurusan tari dan ISI jurusan tari jauh lebih banyak dibandingkan mahasiswa laki-laki, maka kemana mereka semua? Jika kesadaran akan kesetaraan gender (bukan kesamaan gender) bisa ditumbuhkan maka akan lain ceritanya, sama-sama bertumbuh, sama-sama berkembang, sama-sama memberi kesempatan, juga sama-sama berdikari.

Nah, lalu, apakah usaha yang paling tepat? Ya harus keras kepala dan memerdekakan diri untuk memilih terus berkarya! Dan di Jogja masih banyak koreografer perempuan yang keras kepala, sebutlah Mila Rosinta, Citra Pratiwi, Kinanti Sekar Rahina, sampai detik ini karya mereka masih terus bergulir. 

Bagaimana dengan koreografer perempuan yang belum menikah? Apakah jalannya mulus-mulus saja? Tentu tidak juga. Nyatanya dari sekian banyak sarjana seni jurusan tari, hanya beberapa yang masih aktif berkarya setelah masa kelulusannya. Kalo yang ini, bisa jadi soal semangat, bisa juga soal pilihan, tidak bisa dipaksakan. 

Dari awal tahun 2017 ini Jogja dibuat cukup bahagia dengan munculnya beberapa koreografer perempuan potensial.

Ayu Permatasari, dari pertengahan tahun lalu, Ayu mulai menunjukkan keseriusannya menjadi seorang koreografer, bersama Ayu Permata Dance Company (APDC) yang didirikannya. Tanggal 19 Mei 2017 menjadi salah satu pembuktiannya, ia bersama APDC melakukan presentasi publik atas karya tunggalnya dengan tema kekerasan seksual (tema yang jauh di luar bayangan Ayu sendiri sebelumnya). Ayu, memulai karya tunggal pertamanya ini (pertama di luar kampus dan di luar event kolektif) dengan serius. Pertengahan tahun 2016 sampai dengan karya on progress ini disuguhkan dalam presentasi publik, Ayu bersama APDC melakukan riset, workshop, ngobrol dan diskusi terkait isu kekerasan seksual sampai pada eksplorasi tubuh, komposisi, artistik Usaha-usaha dan metode berkarya semacam itu mungkin di luar ekspektasi orang-orang yang mengenal Ayu sebelumnya, yah begitupun on progress karyanya dalam presentasi publik, bentuk, komposisi, artistik, semua yang disuguhkan memang di luar zona nyaman Ayu selama ini. Sebagai koreografer dia berhasil mengendalikan dirinya dan egonya. Pada Oktober nanti Ayu bersama APDC akan menggelar karya mengenai kekerasan seksual ini untuk khalayak umum. 

Aprilia Wedaringtyas (Aprilia Sripanglaras), dari akhir tahun lalu Aprilia sedang menjalani proyek satu tahun berkarya dengan 2 bulan sekali mempresentasikan hasil pencariannya di Paradance dalam rangka memilih dan memilah kemungkinan untuk proses penciptaan pertunjukan tunggal di tahun depan.Selain itu, pada tanggal 11 Mei lalu, Aprilia juga mempresentasikan karyanya di Pasada Tari #1 (Event yang diinisiasi oleh Kawung Art, Culture, and Wisdom dan Pendhapa Art Space). Dengan latar belakangnya sebagai penari angguk (tari kerakyatan Kulon Progo), Aprilia justru sempat ingin mengasingkan tari angguk dari karya-karyanya, ia merasa bosan dengan angguk. Tapi pada saat yang sama Aprilia akhirnya memilih untuk memaksa dirinya kembali ke angguk, kepada tubuh yang sudah lama ia kenal dan ingin ia tinggalkan. Dalam 2 program yang ia ikuti, yaitu proyek satu tahun berkarya dan Pasada Tari #1, Aprilia memilih angguk sebagai dasar eksplorasinya, dia mulai dari memanggil memori tubuh angguknya, merespon kebosanan tubuhnya pada angguk, sampai mengeksplorasi salah satu ragam angguk yaitu kirig yang mengarah pada seksisme angguk dalam tubuh perempuan, ya, karena angguk pada awalnya memang ditarikan oleh para penari laki-laki, tetapi karena alasan komersial maka sekarang angguk putra justru sudah punah dan berganti menjadi angguk putri. Tahun ini adalah tahun berproses bagi Aprilia.

Fotografer: Cultivootee

Silvia Dewi Marthaningrum, sekitar 1-2 tahun vakum dari dunia penciptaan tari, akhirnya di tahun 2017 ini ia kembali bangun dari tidur panjang. Dengan niat yang besar untuk kembali berkarya, Silvia mendatangi guru dan teman yang dia harapkan dapat membantunya melatih tubuhnya kembali, memberi asupan wacana, dan menemani berbincang untuk membentuk konsep-konsepnya berkarya. Proses tersebut sudah dimulai sejak bulan Maret lalu yang kemudian ia presentasikan secara tunggal dalam tajuk karya LaTari 24 Mei 2017 lalu di Kedai Kebun Forum. Dalam LaTari, dia benar-benar ingin menguji kembali tubuhnya, dan hasilnya well done! Sebagai catatan, Silvia adalah salah satu koreografer dan penari perempuan yang mampu menyerap dan menguasai berbagai teknik ketubuhan tari dengan cepat. Kini ia tengah berproses kembali untuk mempersiapkan presentasi-presentasi berikutnya. Setiap presentasinya nanti diharapkan menjadi catatan perjalanannya kembali menjadi salah satu koreografer perempuan yang patut diperhitungkan.

Terakhir, Scholastica W. Pribadi. Memiliki latar belakang jurusan Pendidikan Tari, sejak sebelum ia lulus kuliah, Tica (panggilan akrabnya) sudah bercita-cita mendedikasikan dirinya untuk menciptakan karya tari bagi anak-anak untuk kepentingan pendidikan. Masa-masa setelah lulus kuliah ia habiskan untuk mendirikan dan mengurus Loka Art studio yang pada awalnya berlokasi di Jalan Kaliurang, Jogja dan sekarang berpindah ke Jl Wonosari, Jogja. Dengan studionya ia aktif mengundang seniman tari untuk mengadakan workshop juga mengundang penari-penari muda untuk berproses dan berkarya. Tahun 2017 ini ia tengah menyiapkan karyanya bertajuk Bird bersama para penari dari Loka Art Studio.

Memang tidak mudah bagi semua koreografer untuk konsisten berkarya, semuanya membutuhkan usaha yang keras dan semangat yang tidak putus. 

PARADANCE SELAMA 3 TAHUN

Paradance adalah event tari 2 bulanan yang diinisiasi oleh saya dan suami beserta teman-teman GMT Jogjadrama, Balai Budaya Minomartani, dan Adisukma Inisiatif. Tagline Paradance adalah festival mini gerak dan tari, kenapa? karena festival kami memang mini, hanya satu malam dengan 6-8 penampil, juga dikhususkan bagi seni tari dan gerak, termasuk mime dan teater tubuh.

Tahun 2014 kami memulai Paradance hanya dengan alasan dan tujuan sederhana. Kami ingin memfasilitasi para koreografer muda (emerging coreographer) untuk mempresentasikan karyanya di depan publik. Kenapa? Karena pengalaman personal. Saya selama 3 tahun sebelumnya belajar tari di beberapa sanggar di Jogja (Didik Nini Thowok/Natya Lakhsita, Pujokusuman, dan Ndalem Kaneman, juga ikut berbagai workshop tari), kemudian di tahun 2014, saya merasa harus mencoba berkarya, tapi kalau saya berkarya mau dipentaskan dimana? Masukin ke festival yang udah ada? Nggak mungkin, ini baru karya pertama banget yang secara teori mungkin nggak bisa dibahas, juga secara tekhnik, mana bisa masuk ke festival dengan proses seleksi yang pastinya pake teori ini itu, nyari festival yang lebih kecil juga belum kenal siapa-siapa. Pertanyaan selanjutnya, kalau saya pentas tunggal, siapa yang mau nonton? Nggak ada yang kenal saya di lingkungan tari, ya kenal, tapi nggak ada yang pernah dengar saya berkarya, nari aja ya cuma bisa-bisaan. Membayangkan itu semua akhirnya saya pura-puranya ngajak rapat suami yang dulu masih jadi pacar, mas Ahmad Jalidu (cari aja di FB kalo ada yang penasaran), pembicaraan panjang lebar itu akhirnya berujung pada dimulainya Paradance #1. Singkat cerita akhirnya saya mengajak teman-teman tari yang saya kenal untuk ikut berpentas di Paradance #1, karena saya nggak mau pentas sendiri dengan alasan panjang lebar seperti yang sudah saya jelaskan sebelumnya. 

Terjadilah Paradance #1, lega dan kami (baca: saya dan suami) akhirnya merencanakan untuk diadakan Paradance berikutnya, karena setelah Paradance #1 banyak yang menanyakan bagaimana pentas di Paradance, ya begitulah,  bukan karena kami ingin cari nama, apalagi uang, Paradance terjadi karena kebutuhan!

Sampailah akhirnya pada Paradance ke #14 di tahun 2017, 3 tahun kemudian, apa yang terjadi? Paradance tetap sama? Mungkin tempatnya saja yang berbeda? Ya dulu kami bekerjasama dengan Balai Budaya Samirono, setelahnya kami bekerjasama dengan Balai Budaya Minomartani. Oke, pertanyaannya adakah perbedaan yang berarti dari Paradance #1 sampai #14? Tidak. Ya memang ada perbedaan sedikit-sedikit seperti sekarang sudah mulai ada beberapa teman dari luar Jogja yang berpartisisasi, pertanda semakin banyak orang yang tahu keberadaan Paradance. Tetapi bagaimana dengan internal Paradance, konsep Paradance? 

Jawabannya, internal Paradance kami masih akan mempertahankan konsep manajemen kekeluargaan, dan kepemilikannya bukan milik manajeman tapi milik saya dan suami, sesederhana itu? Iya. Bagaimana dengan sponsor? kenapa tidak pernah mencari sponsor supaya Paradance bisa lebih besar? Kenapa kami mempertahankan Paradance menjadi milik kami tanpa sponsor, karena kami ingin Paradance tetap sebesar ini, kalau lebih besar lagi, apakah mungkin kami bisa memfasilitasi semua karya teman-teman yang selama ini pernah tampil di Paradance? Dengan menjadi lebih besar ada konsekuensinya adalah tuntutan kualitas, kalau teman-teman membaca dari awal, tentu sudah bisa langsung manggut-manggut, bukan itu tujuan kami. 

Lalu bagaimana soal kualitas? Bukankah harusnya festival juga mampu mengedukasi supaya kualitas karya teman-teman bisa semakin baik? Untuk semakin baik, kami yakin teman-teman sudah punya banyak tempat belajar (kampus, sanggar, studio, berguru pada para senior, ngobrol sana sini), tapi untuk fasilitas presentasi, silahkan teman-teman tanyakan pada diri sendiri sebanyak apa peluangnya.

Nah, pertanyaan selanjutnya, jadi Paradance ke depannya tidak mau lebih lagi? Jawabannya selalu sama ketika saya ataupun suami ditanya soal hal ini, kalau kami ingin membuat sesuatu yang lebih dari Paradance, atau membuat acara-acara terkait edukasi bagi para koreografer/penari, tentu kami akan membuat acara baru, bukan Paradance, tujuan kami membuat Paradance sudah tercapai dengan format yang seperti ini, jadi kenapa harus diubah? meski kami selalu melakukan perbaikan sana-sini termasuk soal fasilitas.

Ya sesederhana itulah Paradance, bukankah nama Apple dipilih oleh Steve Jobs hanya karena apel adalah buah kesukaannya, bukankah Barcode ditemukan hanya karena Joseph Woodland dan Bernard Silver secara tidak sengaja mendengar keluhan para pedagang soal sulitnya melakukan pencatatan terhadap barang dagangannya, bukankah Facebook bermula dari iseng-iseng Mark Zuckerberg membuat situs facemash.com (memuat foto-foto mahasiswi Harvard dan kemudian membandingkannya dan meminta pengguna untuk memilih yang mana yang menarik), bukankah Pak Djamari menemukan rokok kretek hanya karena ingin menyembuhkan batuknya, bukankah Disney Land didirikan hanya karena Walt bersaudara menginginkan tempat bermain yang sehat bagi perkembangan anak-anak mereka.

Terus berkarya dan belajar. Kalau teman-teman membutuhkan tempat/fasilitas untuk diskusi, workshop, ruang presentasi silahkan jangan sungkan-sungkan menghubungi kami, atau untuk sekedar ngobrol-ngobrol soal seni tari dan pertunjukan, ah kami akan bahagia sekali.

Salam Hangat,

Tim Paradance

08562571022 (nia)

IG: @paradancer

FB: Paradancer

Youtube: Paradance Festival

Foto: Nucky Setyawan, Paradance #12 karya Fetri Ana R

TARI DAN MASKULINITAS PENONTON

(Sumber foto: www.malesbanget.com)

Penonton menjadi salah satu unsur penting dalam seni pertunjukan. Reaksi penonton yang sebenarnya lebih sering berdasar atas selera pribadi, kadang-kadang tetap saja menuai kekhawatiran bagi performer. Sebenarnya, kekhawatiran tersebut tidak akan menjadi masalah kecuali ketika sudah terjadi hierarki. Ketika sudah terjadi hierarki antara penonton dan performer, maka independensi performer untuk berkarya akan terganggu dengan ketakutan tidak akan diterima oleh penonton. Seperti layaknya sebuah relasi pacaran misalnya, jika sudah terbentuk hierarki, maka akan ada satu pihak yang lebih dominan dan menguasai, yang kemudian menyulitkan pasangannya untuk berkembang.

Tari, sebagai salah satu bagian dari seni pertunjukan juga terkena imbas dari relasi kuasa yang timpang antara penonton dan pencipta tari. Jika dirunut dari perkembangan tari, mengapa angguk putra sekarang sudah sangat sulit ditemukan atau bahkan sudah bisa dianggap punah? Karena penonton lebih memilih menonton perempuan dibandingkan laki-laki. Secara singkat mungkin dapat diartikan bahwa perempuan (secara fisik) memiliki nilai yang lebih menyenangkan untuk ditonton dibanding laki-laki, kenapa?

Tidak hanya angguk, tetapi di banyak kasus pertunjukan tari perempuan memang dinilai memiliki daya tarik yang lebih dibandingkan laki-laki, kenapa?

Bagi saya secara pribadi, sebenarnya ini juga bukan suatu masalah, hanya saja, jangan sampai kita terjebak pada eksploitasi tubuh perempuan, menjadikan perempuan sebagai objek. Katakanlah tayuban misalnya, yang semula merupakan salah satu media untuk memberi pesan-pesan kebaikan, bahkan pesan agama, kemudian terjerumus ke dalam kuasa penonton, dan akhirinya banyak yang memilih untuk menuruti harapan penonton demi tetap berlangsungnya kehidupan grup tersebut dan anggotanya. Kembali, perempuan menjadi korban atas penonton yang memiliki hierarki lebih tinggi,

Kuasa dan hierarki memang sangat lekat dengan maskulinitas. Tapi maskulinitas ini bukan semata-mata terkait soal penonton kebanyakan adalah laki-laki. Karena maskulinitas tidak melekat pada satu jenis kelamin saja. Maskulinitas penonton kadang menjebak koreografer/performer untuk menuruti selera penonton dan lupa pada apa yang ingin disampaikan. Ini akan semakin meningkatkan kuasa penonton sehingga menambah daftar-daftar karya yang sudah cukup dengan menuruti selera pasar, tentu memang ada karya tari yang diciptakan khusus untuk mengikuti selera pasar, masalahnya adalah jika yang terjebak ke arah itu adalah para kreator yang sejatinya ingin berkarya secara idealis.

Seperti yang sudah kita ketahui bahwa penonton memang tidak bisa dikontrol, tetapi sisi baiknya adalah, kita bisa mengontrol karya kita. Kritik dari para penonton tidak semuanya harus diikuti karena seharusnya dari awal berkarya kreator sudah memiliki tujuan untuk apa nantinya karya tersebut dibuat? Kalau sudah memiliki tujuan berkarya, kita dapat meng-counter ketidaksukaan penonton atas karya kita. Pembuat karya harus memiliki kendali penuh atas karyanya, meskipun tentu saja harus disertai ngobrol dengan banyak orang, meminta pendapat dari yang lebih punya pengetahuan, tapi tetap saja, kemerdekaan memilih adalah milik kreator. Jadi berkaryalah dengan merdeka, tentu harus disertai tanggung jawab.


Nia Agustina
Co-Founder of Paradance Festival
Founder of Project Matematarika

Mau Jadi Penari HP atau Pager?

Di postingan sebelumnya, saya memberi catatan untuk acara JIPA 2016. Dalam acara yang bertajuk "Gathering To Sharing" ini, ada sesi diskusi terkait dokumentasi video dari para koreografer baik dalam negeri maupun luar negeri, juga sesi diskusi terkait showcase yang ditampilkan 4 koreografer muda Yogyakarta. 

Dalam sesi diskusi tersebut ada banyak sekali pertanyaan yang muncul dari para peserta dan bahkan juga koreografer. Ada pertanyaan yang selama beberapa hari ini terngiang di benak saya, dan tanpa sengaja saya menemukan jawabannya di diskusi tari komunitas Salihara yang saya tonton via Youtube kemarin sore. Ya, memang Youtube dan Google adalah guru yang paling mudah diakses saat ini, tentu harus disertai filter yang tepat. Diskusi tari Salihara tersebut mengusung tema Tradisi dan Modernitas, sebagai pembicara ada Bapak Sal Murgiyanto dan F.X Widaryanto, yang keduanya adalah pengamat sekaligus kritikus tari.

Salah satu pertanyaan yang mengganggu teman-teman di forum JIPA 2016 adalah terkait style ketubuhan seorang penari. Saya sempat menyimpulkan, semoga kesimpulan saya ini bukan jenis kesimpulan yang serampangan, bahwa keempat penampil showcase di acara JIPA 2016 memiliki selera berkarya yang tidak jauh dari latar belakang mereka. Galih dengan latar belakangnya sebagai penari gaya Yogyakarta, Gusbang yang dari kecil sudah menari Bali dan memang tinggal disana, kemudian Pulung yang tubuhnya seakan-akan mengikuti gravitasi, bergerak dalam level rendah dan hati-hati, memperlihatkan attitudenya sebagai penari gaya Yogyakarta, serta terakhir Citra Pratiwi yang terkesan metropolis seperti tempatnya lahir dan besar, Jakarta.

Kemudian apa hubungannya dengan diskusi yang saya tonton di Youtube? Ada satu kutipan yang pak Sal ambil dari kata-kata Rendra, bahwa hal baru muncul seharusnya karena yang tradisi tidak cukup menampung kebutuhan kita, maka kebaruan harusnya muncul dari suatu tradisi. Maka, style yang diharapkan oleh teman-teman di forum "Gathering to Sharing" JIPA 2016 lalu sebenarnya sangat bisa dan bahkan justru hanya bisa diperoleh dari mendalami tradisi tubuh dan hidup masing-masing selama ini, menemukan berdasarkan pengalaman empiris dan hal-hal kontekstual yang tidak jauh dari diri sendiri. Hal ini tentu harus disertai dengan pengetahuan dan wawasan di luar tubuh yang dapat dicapai dengan melihat semakin banyak pertunjukan, mengikuti berbagai workshop, dan membaca dan mempelajari berbagai pendekatan dan metode penciptaan tari.

Ini sudah terjadi dalam bidang teknologi, yang dekat dengan kita saja, HP misalnya. Dulu di tahun 90an HP hanya dapat digunakan untuk komunikasi via telfon dan sms, kemudian masuk ke tahun 2000an teknologi HP berkembang, HP menambah fitur kamera, internet, musik, dan sebagainya, tapi apakah fitur telfon dan sms dihilangkan? apakah ringtone HP yang lama dihilangkan? tidak, semuanya hanya diperbaharui dan dikembangakan, karena dirasa telfon dan sms sudah tidak cukup mampu menampung kebutuhan pengguna. Berarti HP dengan teknologi terbaru bahkan masih menyimpan teknologi lama, hanya kemudian dikembangkan dan diperbaharui untuk lebih memudahkan pengguna. Apa jadinya jika HP yang diluncurkan kemudian "benar-benar baru"? Tidak ada fitur telfon dan sms, misalnya? Apakah dia masih dapat disebut HP? Masih ingat dengan pager? Kenapa pager tidak lebih langgeng dibanding HP? Karena tidak ada pengembangan teknologi pager, dia ditinggalkan dan kemudian berganti total teknologinya menjadi HP, dan kenapa HP langgeng? Karena dia tidak meninggalkan "tradisinya" tetapi terus mengembangkan tradisi tersebut menjadi semakin canggih dan memudahkan (Setidaknya sampai saat ini).

Jadi mau jadi Penari HP atau pager?  

Nia Agustina

Manajer Program Paradance Festival

Founder of Project Matematarika

niaparadance@gmail.com